“Terror en lo profundo” Dirigida por “David R. Ellis”

“La piel que Habito” Dirigida por “Pedro Almodovar”

Como siempre muy buena música y las más interesante información Cinematográfica.

“La Chica del Dragón Tatuado Dirigida por “David Fincher”

“Criadas y Señoras” Dirigida por “Tate Taylor”

Como siempre muy buena música y las más interesante información Cinematográfica.

“Larry Crowne” Dirigida por “Tom Hanks”

“Patas arriba” (Cine Nacional) Dirigida por “Alejandro Garcia Wiedemann”

Como siempre muy buena música y las más interesante información Cinematográfica.

“Código Fuente” Dirigida por “Duncan Jones”

“Bridesmaids” Dirigida por “Paul Feig”

Como siempre muy buena música, las opciones de la cartelera en Venezuela y por supuesto, la más interesante información Cinematográfica del momento.

“Los Tres Mosqueteros” Dirigida por “Paul Anderson”

“Baaría” Dirigida por “Giuseppe Tornatore”

Como siempre muy buena música, las opciones de la cartelera en Venezuela y por supuesto, la más interesante información Cinematográfica del momento.

“Moneyball” Dirigida por “Bennett Miller”

“Erase una Vez un Barco” Dirigida por “Alfredo. J. Anzola” Cine Nacional.

Como siempre muy buena música, las opciones de la cartelera en Venezuela y por supuesto, la más interesante información Cinematográfica del momento.

“Malas Enseñanzas” Dirigida por “Jake Kasdan”

“Transformers” Dirigida por “Michael Bay”

Como siempre muy buena música, las opciones de la cartelera en Venezuela y por supuesto, la más interesante información Cinematográfica del momento.

Con el retorno al país vasco, aprendimos a valorar aun más el trabajo de los colegas del medio, quienes nos brindaron lecciones de ética, tenacidad y rigor con su ejemplo.

Los reporteros de la fuente en Europa saben hacer su oficio, viven de la investigación y no se conforman con lo mínimo. Esperan lo mejor de la cultura audiovisual y cuestionan lo peor de la industria internacional, sin caer en falsas imposturas intelectuales y poses de divo.

Con ellos, compartimos encuentros maravillosos, enriquecedores e impredecibles en ruedas de prensa, al calor de discusiones y debates intensos sobre las películas. Aquí, por suerte, ninguno formula preguntas estúpidas del tipo criollo.

De igual modo, descubrimos por dentro la manera en como funciona la maquinaría de la organización, bajo una aceitada red de conexiones entre periodistas y miembros del protocolo.

Por ende, logramos conseguir entrevistas y fijar citas para conversar con los invitados del concurso. Antes desconocíamos la forma de pautar a un director o a un actor. Aplicábamos mal la metodología, íbamos directamente a la fuente y nos perdíamos en el camino por desinformación. Ahora el resultado es distinto gracias al accesible sistema implantado por la administración del presidente, José Rebordinos.

Además, encontramos la brújula de la alimentación, después de la degustación culinaria del año pasado, cuando en vista de la pésima orientación y olfato, acabamos comiendo chino, hamburguesas, tapas terribles y fast food. En cambio, durante la estadía del 2011, almorzamos y cenamos en lugares gratos con menús suculentos.

Aparte, las recomendaciones de los amigos surtieron efecto y dieron en la diana, como la bocatería “El Campero”, sugerida por el estimado Daniel Pratt . Su especial de pollo no tiene desperdicio. Las media lunas eran mis favoritas del desayuno. Por la noche, nos aventuramos por la especialidades de la casa y nunca salimos decepcionados.

Por desgracia, no podemos decir lo mismo de algunos platos fuertes de la carta de San Sebastián. Es el caso,hablando del tema, de la socorrida nueva sección de “Cinema Culinary”, una promesa incumplida de proyecciones con catas de vino y pasapalos incluidos. Asistimos una vez, apenas recibimos un bombón de licor en la entrada y jamás retornamos. Por fortuna, las cintas del repertorio gastronómico embelesaron y gustaron a los paladares exigentes de propios y extraños.

En cuanto al grueso de los contenidos, percibimos un cierto aroma a estancamiento por los predios de la industria ibérica, un olor medio rancio por el lado de América Latina(empezando por Argentina y terminado por México), y una evidente falta participación por parte del supuesto oxígeno de recambio del cine venezolano,desaparecido por completo del mapa y de la orbita internacional, a no ser por pequeñas y minúsculas apariciones de estrellas enanas y fugaces. Simples fuegos de artificio y potes de humo de un gremio autoindulgente y ahogado en su eterno baño de crema para realizadores endogámicos, conectados a la flor intestinal de PDVSA a través de sus filiales petroleras de la mentada y sacrosanta plataforma. Léase el CNAC y la Villa. Una generación complaciente con el estado y únicamente preocupada por filmar a costa de venderle el alma al fausto( de la revolución).  Saluden al diablo de mi parte.

Sea como sea, las brechas son enormes de norte a sur y de este a oeste. Europa, Estados Unidos y Asia lucen como mercados establecidos a pesar de la crisis. Pero sus películas esquivan los temas duros y buscan responder a la depresión con propuestas elementales y básicas de manual, a excepción de ciertos casos aislados.

Por ejemplo, Johnnie To emprende una vigorosa relectura de la depresión económica y la caída de la bolsa en “La Vida sin Principios”. Se proyectó el miércoles. El jueves aconteció el jueves negro. Cinta profética.

A nivel de narrativa y construcción del relato, aquejamos la persistencia del melodrama choronga y moralista, con desenlace de familia unida y redención por medio del amor o el afecto. Al respecto, es una tesis compartida por títulos sintomáticos de los tiempos conservadores y reaccionarios, como “Le Skylab”, “El Árbol de la Vida”, “11 Flores”, “La Voz Dormida” y la misma “Kiseki” de Kore Eda.

En la acera de enfrente, surge el faro de Alejandría de “Martha, Marcy May, Marlene”, estudio de la esquizofrenia alentada por el sectarismo escondido detrás del hogar dulce hogar.

Otro punto en común lo constituye la revisión del argumento universal de la mujer infiel por vía de Arturo Ripstein, Terence Davies y Sarah Polley. Es la clásica resurrección del espíritu naturalista de Flaubert en “Madame Bovary”, ícono del feminismo moderno y liberado.

De las mujeres del conjunto, destacamos el empeño pacifista de Nadine Labaki al denunciar el origen machista del conflicto religioso en medio oriente, y celebramos la minimalista crítica social de Ana Katz en “Los Marziano”, comedia agridulce acerca de la división de clases y el absurdo apartheid de las urbanizaciones de los suburbios(los famosos “countrys” de “Truman Show” localizados en Buenos Aires). Bofetada al materialismo histérico y el fracaso de las utopías de Menem, Cristina y compañía. Un país lleno de agujeros negros como el nuestro.

Mientras tanto, los hombres permanecen ahogados en un mar de contradicciones y horrores narcisistas, a la luz de trabajos y desmontajes del egocentrismo hiperviolento y onanista, de la talla de “Shame”, “Tiranosaurio” y “Rampart”.

En el plano experimental, los británicos, los franceses, los griegos, los japoneses y los alemanes dictan cátedra de vanguardismo 3D, sensibilidad artesanal, contención minimalista y expresionismo digital.

Técnicamente palpamos el agotamiento del género documental, del cruce de la ficción y la no ficción, de la nostalgia banal por el glamour y de la escuela de Barcelona, identificada por el hueco y el vacío de un séptimo arte mentadamente de avanzada, hecho por y para hipsters.

En tal sentido, Isaki Lacuesta quiere reencarnar la densidad pictórica de Erice y Guerín, pero no lo queda y les llega a los talones con su fallida “Los Pasos Dobles”, paradigma de su burbuja estallada y distanciada de los auténticos problemas del momento.

Por analogía, el catálogo ibérico del Festival nos decepcionó por su alejamiento de la circunstancia política de la actualidad. Por oportunismo, los autores españoles semejan a la pandilla de Chalbaud, al rodar telenovelas de época con marcado aliento de folletín antifranquista concienciado y correcto.

En suma, el saldo es positivo en lo macro y negativo en varios aspectos globales y particulares. No por nada, recibimos el fallo del jurado como un baldazo de agua fría. Ganó Isaki Lacuesta, perdió Kore Eda y Memo le pasó factura a su enemigo declarado, Arturo Ripstein.

Los españoles debían alzarse con la Concha, pues así lo había determinado un sector minoritario de la organización, encargado de cocinar el gato por liebre de Lacuesta, con su película ampliamente denostada por los entendidos y el público.

“Los Pasos Dobles” es un film demodé y generoso en reduccionismos antropológicos, estéticos e intertextuales. Peca de neocolonial y se pretende lo opuesto. Es un mea culpa disfrazado de ejercicio etnológico y pictórico. Se contenta con desplegar su apertura afrodescendiente, en un remedo del portafolio racista de Leni en el continente negro. Es la versión intensa de “Los Dioses deben estar Locos”. De hecho, un niño se bebe una Coca Cola a pico de botella en una apuesta. Si era un chiste, no lo entendí y me lo tomé como un trago amargo de la publicidad encubierta. Por algo, es una película harto subsidiada por el estado español. Y la premian por irse a África de cacería de cuevas. Por favor.

Mejor es “La Havre” de Aki Kaurismaki, superior a la de Mallick. Un viejo hace un concierto de rock para mandar a un chico africano a casa de su madre en londres. Pero las películas así, honestas, francas y frescas no se llevan las Palmas, ni los Osos, ni los Leones, ni las Conchas, reservadas para la glorificación de la complejidad falsa  y el trascendentalismo de comiquita.

En consecuencia, las materias pendientes de Donostia son depurar su jurado(conformado por fotos fijas de revistas frívolas), integrar a los llamados “invisibles” o apocalípticos , conjurar los espectros de la corriente indignada, e incorporar a las olas del “hazlo tu mismo” en clave 2.0. (condenadas al ostracismo por miedo y prejuicio).

El futuro de los Festivales es la gratuitidad, internet y la desactivación del engranaje de la cursilería y la ridiculez de los consentidos de las primeras planas.

El cine deber ser lo importante, no el culto a la personalidad.

Hasta el próximo año, Donostia.

Gracias por todo.

El Ecuador del Festival despejó el cielo ensombrecido de la selección oficial y despertó el nuevo amanecer de la competencia, desde la quinta hasta la sexta jornada. Ahora vamos por la séptima. En el medio, procedemos a comentar otras tres películas trascendentes: “La Voz Dormida”, “11 Flowers” y “Tyrannosaur”, vinculadas por temas de contenido y enfoque, amén de la consistente y congruente curaduría del presidente del certamen, José Rebordinos, quien parece ofrecer tanto un hilo conductor a lo largo del evento, como una idea para debatir en el desarrollo de cada día.

Por consiguiente, ayer se prolongó la discusión sobre la crisis de la familia y la infancia, mientras la agenda propuso la reflexión de la “leyenda negra” del fascismo a ambos lados del espectro, así como la revisión del tópico de la violencia de género contra la mujer, según ópticas diversas y afines.

En el caso de “La Voz Dormida”, Benito Zambrano profundiza en la investigación melodramática de su título “Solas”, a efecto de volver a proyectar el fantasma de la posguerra española, a través de la perspectiva de los derrotados convertidos en víctimas de la intolerancia de los ganadores de la derecha.

Por ende, le llueven críticas a la cinta y al realizador por identificarse con el bando de la república y la izquierda, en beneficio de un guión decididamente maniqueo y binario, carente de medias tintas, donde los franquistas son villanos de una sola pieza y los comunistas encarnan el estereotipo de guerrilleros heroicos defendidos por sus mujeres abnegadas, dentro y fuera del campo de concentración, del centro de reclusas. La carne de cañón para el pelotón de fusilamiento de costumbre.

Ante ello, el autor se justifica apelando al recuerdo histórico de holocausto: “Como los nazis perdieron la guerra y la ganó el resto del mundo, se supo su nivel de crueldad y todo el mundo sabe que un nazi es mala persona. Pero en este país, como los que ganaron fueron ellos, estuvieron mucho tiempo y tuvieron el beneplácito de muchas potencias extranjeras, hablas de un facha y un falangista y, ah, entonces, es que hay buenos y malos”.

A lo mejor le faltó dotar de mayor humanidad a sus personajes negativos, para evitar caer en el terreno del folletín, de la telenovela y de la caricatura en blanco y negro. Todo lo cual, de seguro, redundará en beneficio de su acogida de público. Ya se habla de un premio para ella por su reparto femenino, cuya actuación ciertamente es impecable y merece el reconocimiento del jurado. De triunfar en el Palmarés, saldrá a la luz el sello de Alex De La Iglesia, afecto a las pasiones desatadas por su colega. Verbigracia, el trazo grueso de “Balada Triste de Trompeta”.

¿Cine indignado a favor de la continuidad del PSOE? ¿Reconstrucción del pasado en perjuicio de la mala memoria del PP? De cualquier manera, la industria ibérica prefiere guardar refugio en el eterno dilema de su mea culpa, de su pecado original, a kilómetros de distancia del tiempo actual. La realidad contemporánea sigue siendo tabú para la edición 59, marcada por una lectura políticamente correcta de las aflicciones de la madre patria.

A pesar de sus problemas de raíz,   “La Voz Dormida” consigue despertar el interés del respetable, gracias a su solvente puesta en escena, de resonancias teatrales y literarias. Quizás sobran demasiadas frases lapidarias y muchos lugares comunes del género carcelario en versión femenina, a merced de golpes bajos, lágrimas y llantos de madre desconsolada al borde del cadalso. De repente es un revival de la escuela soviética al estilo no de Eiseinstein sino de Chalbaud.

En lo personal, disfruté del juego sensiblero propuesto por el largometraje, y lo entendí como parte de un esquema, de un formato, posiblemente superado y fácil de deconstruir.

No es mi tipo de película, pero le encuentro innumerables virtudes de carácter estético y ético. Incluso, da gusto ver trabajar a la protagonista, y gozar de su pequeña victoria moral. Es placentero admirar la derrota del sectarismo, después de décadas de imposición dictatorial.

De igual modo, valoramos el aporte de “11 Flowers” como tabla de cuestionamiento del totalitarismo de la revolución cultural, en la fase de decadencia y expiración . Ahí acontece el relato y el argumento de la soberbia y esmerada cinta de Wang Xiaoshuai, alrededor de la vida de un niño confundido por las contradicciones de su entorno.

A primera vista, la obra tiende a pecar de descriptiva, conformista y superficial a la hora de retratar el hundimiento de la utopía maoísta de la china roja. No en balde, el libreto fue aprobado por el comité de censura para ser rodado. Sin embargo, como los grandes cineastas de la época de Stalin,  Wang Xiaoshuai sabe eludir las trampas y los obstáculos de los enemigos de la libertad de expresión, para reflejar el horror y el dolor de una nación sumida en el control del pensamiento, la persecución de la disidencia, la destrucción de la alteridad, el autoexilio y la brusca transformación de las tradiciones. Un niño asiste como testigo del eclipse de una era definida por la omnipresencia de la propaganda y la traición de la identidad individual en aras de los planes colectivos orquestados por el poder.

“11 Flowers” sería la antítesis de la ingenua reivindicación socialista de “La Voz Dormida”. Hay razones de peso para llevarlas a Venezuela como ejemplo. En especial la de  Wang Xiaoshuai, opuesta al paradigma instrumentalizado por la Villa. Sus imágenes apacibles, impresionistas y minimalistas esconden un mensaje durísimo de denuncia.

Para rematar, cerramos la velada con la demoledora, “Tyrannosaur”, protagonizada por Peter Mullan en un papel intimidante de pendenciero alienado, abandonado y al margen de la sociedad del bienestar. El actor ganó la “Concha de Oro” en el 2010 por su estupenda, “Neds”. Aquí en vez de dirigir, presta su cuerpo para servir de vehículo a un devastador análisis antropológico de la psique perturbada de una suerte de hooligan retirado y en paro. Sentimos auténticos escalofríos al escucharlo, contemplarlo y anticiparlo. Por ratos, semeja una traumática experiencia de terror costumbrista, a la altura de “Solo Contra Todos”. Sus secuencias de antología combinan inesperados estallidos de locura cotidiana e hirientes líneas de parlamento. La cámara y la fotografía logran mancillar la estima del espectador y hacerlo copartícipe de la miseria de una esposa golpeada por su marido. Naturalmente, el Robert De Niro de la partida intentará vengarla como en “Taxi Driver”. No obstante, la clausura es diferente.

En resumen, la película lejos de celebrar el ritual de la violencia, muestra sus implacables consecuencias en el estado de salud del pueblo del Reino Unido. El desenlace esquiva la conclusión predecible y busca derivar hacia un derrotero de amarga ambigüedad existencial. Auguramos la redención por la fuerza del amor, aunque no vislumbramos un futuro claro para nadie.

Entre las cicatrices abiertas del siglo XX y el XXI, nos despedidos por los momentos.

Pronto regresaremos con el séptimo capítulo.

De hecho, la comparación entre ambas piezas la hicieron en rueda de prensa, donde el autor derrochó sana humildad y verdadera conexión con su reparto, cuyos jóvenes integrantes se robaron el show de la velada, mientras respondían a las preguntas de los periodistas con total y absoluto desparpajo, a diferencia de las estrellas solemnes, los críticos de élite, los periodistas engreídos y las divas esnobistas de la alfombra roja.

En cuestión de dos horas,”Kiseki” narra la historia de dos hermanos separados por el divorcio de sus padres y unidos por la idea de consumar una aventura. Su objetivo dramático radica en descubrir la posibilidad de materializar un milagro, al atisbar el encuentro de dos trenes apartados de su lugar de origen. Durante el metraje, emprenden entonces una odisea fascinante junto con sus amigos, para llegar a la zona de la leyenda urbana, consagrada supuestamente a recibir sus demandas y convertirlas en sueños realizados. Al arribar al sitio, cada uno gritará su deseo al cielo, después de reflexionar sobre su pertinencia moral, ética, personal y colectiva.

En consecuencia, el guión tiende a evocar el desarrollo de títulos de aprendizaje y crecimiento de los ochenta, como el caso de “Los Goonies” y “Stand by Me”, aunque a la manera sutil y posmoderna del realizador japonés, capaz de dominar el difícil arte de la puesta en escena, y al mismo tiempo, brindar un espectáculo digno no exento de sentido del humor y auténtico alcance poético, alrededor de imágenes líricas extraídas del propio contexto del relato.

En lo personal, su propuesta conmueve, hipnotiza y despierta la sensibilidad del espectador, al punto de arrancarle lágrimas y sonrisas, a través de los recursos y elementos más puros del lenguaje audiovisual.

Aparte, la banda sonora y la música acompañan y secundan, de forma elocuente, el significado conceptual de las composiciones, encuadres y planos hermosamente fotografiados, en la tradición del paisajismo documental del continente asiático.

Yo me atrevería a anunciarla como la principal favorita del concurso para quedarse con la Concha. Difícilmente veremos algo superior en el certamen, y quizás en el resto del 2011. La película le hace plena justicia a su título y le permite a su creador regalarle una bocanada de aire fresco, de esperanza, a su país, al mundo y a la cultura universal. Cine de reivindicación del futuro y del presente para conseguir una catarsis o exorcismo ante los traumas del pasado reciente y remoto (de la bomba de la segunda guerra al terremoto de Tokio).

En paralelo, se enmarca el lanzamiento del último film de la intérprete francesa Julie Delpy, “Le SkyLab”, también encabezada por una chica en el seno de una familia disfuncional destinada a servir de ejemplo y arquetipo de la polarización de la sociedad gala, antes y después del año 1979, cuando se anticipa y notifica la caída de un satélite en dirección hacia la tierra. Así, los personajes aguardan en la campiña francesa por el fin del mundo. No obstante, el tono es diferente al de las tragedias apocalípticas de Lars Von Trier y Steven Sodenbergh.

Con inteligencia e ironía, la autora opta por reírse del asunto, del entorno y del argumento planteado, a la luz de diálogos suspicaces, conflictos absurdos y situaciones de enredo.

Además, “Le SkyLab” guarda la virtud de no tomarse demasiado en serio, y de apelar a la memoria del respetable, al confrontarlo con el recuerdo y la deconstrucción de fenómenos como mayo del 68, la colonización francesa, el colaboracionismo con los nazis y la eterna división política de la nación de Mitterrand.

Hay ecos y resonancias de diversa índole. Grosso modo, volvemos a palpar el fino tejido de los cuentos morales de Eric Rohmer, salvando las distancias, al estilo de las comedias negras del cínico Claude Chabrol en contra de la pequeña burguesía de provincia. Únicamente, le puedo discutir y debatir la concesión de un “happy ending” predecible y conservador.

Después de todo, la amenaza del “Le Skylab” no era para tanto, y de igual manera, la crisis de la familia francesa resulta pasajera y superable, en una suerte de reconciliación forzada con los valores maternales y paternales de antaño.

Es la solución optimista, de hoja de cálculo y formato Hollywood, de la mayoría de las producciones a concurso. Problemas y lugares comunes no sólo de un Festival, sino de una generación descomprometida y adicta a la droga de la felicidad, al soma de la autoayuda en 24 cuadros por segundo.

Por fortuna, existe una rendija para la expresión de la resistencia y el movimiento indignado frente a la depresión económica, en la insólita figura de Johnnie To, empeñado en meter el dedo en la llaga de Hong Kong y de los tigres de papel del lejano oriente.

Precisamente, a ellos los desnuda en la brillante y curiosa, ““A Life Without Principle”, proyectada fuera concurso en el marco de la sección de perlas de otros festivales. No por nada, acaba de competir en Venecia.

Para resumir, la singular película constituye una metáfora de la caída de la bolsa global, según la perspectiva de las clásicas tríadas chinas, asociadas al negocio bancario. Por tanto, se trata de una trama de suspenso urdida para cuestionar el fondo del materialismo histérico y del capitalismo darwinista, por medio de un libreto de vidas y destinos cruzados por el azar, todos vinculados por los tentáculos de la mafia.

En la conclusión, triunfa la ley del más fuerte o del menos malo, y la suerte determina la victoria de unos perdedores devenidos en ganadores, por un golpe de pura astucia(cual “100 años de Perdón).

La lectura de Johnnie To  sigue siendo lúcida, genuina y honesta. En la actualidad, nos dice él, sucumbimos a la lógica del Casino y de la Gomorra en la compra y venta de acciones bursátiles, a merced de los tiburones de las casas de ahorro y préstamo. Encima te diviertes horrores con la habitual visión del género de gangsters y policías y ladrones, atribuida a la imprescindible obra del autor.

En síntesis, una quinta jornada redonda y estimulante,a pesar de ciertos bemoles.

Regresamos pronto con el sexto capítulo.